摘要：在音乐剧的创作过程中,“整合”向来是绕不开的话题。如何安置作品中音乐与戏剧之间的关系,让“歌”唱在理所当然的情节之上,让“舞”跳在合乎情理的场面之上,都需要创作者不断地实践打磨。历史上,无论开拓叙事音乐剧的理查德·罗杰斯与奥斯卡·汉姆斯坦二世,还是后来创造了概念音乐剧与“音乐戏剧化”创作手法的斯蒂芬·桑德海姆,都主要站在编剧或词曲创作的角度对音乐与戏剧的整合,提出有力、有效的建议。而这类创作中的整合,更多是站在纸面一端的实践,让故事与音乐真正地镶嵌起来成了目的。但如今,越来越多的创作者开始从音乐剧另一端的台面,即舞台上的表演形态,对整合的方式进行着拓展与试炼。

摘要：当一部外国音乐剧破引进国内的时候．宣传广告里总少不了要标榜一下自己是“百老汇经典音乐剧”．或者是“世界几大音乐剧”，或者拿过多少个托尼奖，在百老汇连演过多少千场，又或是被翻译成十几种语言．在全球几百零几个城市上演过等等：可这些口碑也好、

摘要：音乐剧作为一种西方艺术形式的代表,在进入中国后,有越来越多的创作者都开始尝试用它来表现中国题材。近几年,我们已经不止一次在舞台上看见过,有关《聊斋》《西厢记》《白蛇传》等经典的中国故事改编而成的音乐剧;也发现了越来越多以中国观众熟悉的歌手,包括邓丽君、李宗盛、周杰伦、黄舒骏等的歌曲改编而来的点唱机音乐剧。

摘要：音乐剧《伊丽莎白》的广告词中称自己是“欧洲音乐剧的复兴之作”,这样的表述我不能完全认同,但它提醒了我一件事儿：欧洲音乐剧兴盛过,也落寞过。上世纪80年代是欧洲音乐剧最兴盛的时代,那时候上演的《猫》、《悲惨世界》、《剧院魅影》,征服了伦敦、百老汇乃至全世界。人们在追逐追捧的同时也开始总结它们的成功经验。

摘要：《摇滚学校》这个原本略显陌生的名字,在今年初却成为了上海观众心目中的宠儿,让许多人在首演后集体发出“不好看就吃票根”的豪言。它看似在教孩子反叛,在批判成功学,美化摇滚,在用商业戏剧的套路让人欢笑,让人感动。

摘要：创作者总是想在作品中植入自己的观点和想法,让世人明悉。但实际操作中,却容易把作品变成想法和概念的灌输机。只是把概念塞给了观众,而不知如何引起观众主观的理解与思考。一个讲故事的音乐剧,不能只考虑说了什么,而忘记了如何去说;不能只是罗列而不考虑结构、布局。

摘要：临近结尾处,母亲戴安娜无奈地告诉女儿,想还她一个正常人的生活,但自己已经很难做到。女儿娜塔莉却说:"我不需要一切正常的生活,它离我太遥远了。只要近乎正常,甚至差不多是正常的,就够了。"而这句"近乎正常"就像利剑一般刺痛台下所有观众的心,也为台上的这家人划开一条道,让他们有了继续生活下去的出口。

摘要：如果一部音乐剧在创作过程中,明显看到了音乐的强势以及剧本的薄弱,那最好的做法就是将音乐魅力作为该剧的重头戏凸显出来,通过一些创作手法去虚弱故事的部分,这样观众的观赏体验会更好。去年值反法西斯战争胜利70周年之际,许多纪念活动、文艺作品纷纷以此为题展开创作。只是内容扎堆了,一味就着战争说战争,难有新意。

摘要：在最近的一次攀谈中,身为音乐剧制作人的朋友给了我一个颇为犀利的观点：中文版音乐剧很快就会落寞的。此话让人惊讶的原因之一在于国内制作中文版音乐剧的历史并不算长。如果从2011年7月《妈妈咪呀!》（Mama Mia!）中文版的诞生算起,至今才刚刚过了七个年头,中文版制作的高潮也仅仅是在近两年里才初步涌现。对正站在发展上升期的中文版音乐剧来说,已经要经历＂七年之痒＂,确实不是大家主观上愿意见到的情况。

摘要：在第20届中国上海国际艺术节的参演作品中,音乐剧《爱在星光里》作为其中少数的原创音乐剧,呈现出了以往本土音乐剧创作中少有的成熟质感,叫人眼前一亮。曾参与音乐剧《雪狼湖》、影视金曲《画心》创作的词作家、编剧陈少琪,与参与创作了《如果·爱》《七月与安生》《星愿》等电影音乐以及《妈妈,再爱我一次》《犹太人在上海》等原创音乐剧的作曲家金培达共同主导了这次《爱在星光里》的创作。