摘要：数字化时代,游戏正逐渐代替影视成为大众文化的一个占主导地位的媒介,从而在文化的全球传播中扮演越来越重要的角色。《黑神话:悟空》以现代的表达方式,将中国传统文化带入公众视野,迅速引发了社交媒体、文化产业、行业市场的广泛关注,制造了积极的经济和文化现象。不同媒介中的文学资源、文化符号和叙事风格被运用到数字游戏这一平台中,造就了这个规模宏大的跨媒介巨制。借由主支线设置、过场动画以及影神图等,游戏作品拟仿《西游记》原著所具有的章回体、散韵相间、说书人介入、多线叙事等文学特征,赋予古典诗学新的时代价值。现实世界中的自然与人文景观,经由中国艺术观念与技巧的创造性运用,在游戏的次级世界中得到重构,使得玩家感受到中华文化底蕴以及奇幻东方色彩。而汇聚不同媒介创作的故事世界在数字游戏这一平台中生成了具有集体意识和道德责任感的新英雄形象,以此挑战全球化浪潮中盛行的个人主义。《黑神话:悟空》在跨媒介生产与传播上已经取得了轰动效应,为新时代知识生产、文化产业以及中国文化全球传播提供了有价值的示范。

摘要：本文的研究对象为法国当代著名戏剧家瓦莱尔·诺瓦利那的“言语戏剧”,并从后现代的角度对这一戏剧类型的艺术特征进行探讨。文章首先分析“言语戏剧”产生的时代背景,指出它是法国“五月风暴”时期兴起的后现代主义思潮影响下的产物,进而从行动、人物、语言等三个维度,通过与传统戏剧的对比,分析诺氏“言语戏剧”的行动破碎化、人物虚空化以及语言物质化等典型的后现代戏剧特征。

摘要：《长发》是美国音乐剧发展史上承前启后的一部先锋戏剧。它以20世纪60年代嬉皮亚文化为背景,多维度地展示了民权运动、反对越战,以及我行我素的自由与叛逆的社会思潮和文化现象。它用摇滚乐贯穿全剧,打破舞台与观众界限,通过非线性的叙事方式和即兴表演推动剧情等手法,将外百老汇和外外百老汇先锋艺术成果带进了主流戏剧舞台,对盛行至今的音乐剧多样化艺术风格的出现及艺术产业化桎梏的突破均具有一定推动作用。然而,作为那个时代的产物,《长发》在艺术上依然存在一些局限性。

摘要：传统欧美剧场的舞美设计属于“视觉领域”,而当代场景设计的感知变革意味着破除视觉主导性,转而强调场景设计的多感官体验。在视觉主导、听觉其次的西方剧场体验背后,是西方文明尤其现代文明视觉至上的感知等级秩序。近三十年来,作为影视与互联网等虚拟媒介难以提供的剧场具身体验,触觉、嗅觉、味觉逐渐成为当代剧场及表演的常用手段。鉴于这一“低级感官”复兴,本文从触觉、嗅觉、味觉和联觉四个角度聚焦当代剧场环境里的感知身体,探寻从人类触觉到后人类触感的剧场触觉体验,以情感、记忆与城市嗅景为主题的剧场嗅觉体验,围绕趣味、烹饪与味美学展开的剧场味觉体验,以及基于联觉美学与“天气世界”理念的剧场联觉体验,由此述评“低级感官”在当代剧场扩展场景设计中的运用以及相关理论发展。

摘要：欧美剧场表演分析的基本方法由符号学与现象学奠定。前者发端于20世纪上半叶先锋主义戏剧兴起之后,旨在关注意义的生成,并随戏剧实践的发展而历经数次演变。90年代左右,符号学方法已无法完全应对日益去符号化的当代戏剧和展演艺术。作为符号学研究方法的补充,现象学为剧场表演分析开辟了新的路径。现象学悬置符号学赖以生存的观念体系,强调第一人称视角体验,关注剧场表演中的物性与感触的流动。二者在与社会文化批判理论相结合之后,阐释力得以释放,从而在兼顾美学的同时更全面地应对作品中的伦理、社会和政治诸问题。

摘要：音乐是太阳剧社戏剧创作和表演美学的核心要素之一。太阳剧社的导演姆努什金和剧作家西克苏在翻译与创作剧本中关注文本的音乐性,力图让文字文本成为真正的表演性文本;剧社的演员也在表演中注意节奏,追求音乐性的演绎,这一切与当代西方知名戏剧音乐人勒梅特密不可分。勒梅特帮助太阳剧社找到通往音乐之门的钥匙,重视乐器的使用,融合文本、演员和东方表演艺术的音乐传统,使音乐成为剧社的一大亮点,在剧社的跨文化戏剧实践中发挥了重要作用。

摘要：人类与疾病的抗争常以各种方式出现在文学作品中。20世纪80年代后的美国戏剧舞台上出现了集中表现艾滋病的现象。“艾滋病剧”的主题嬗变,从初期的愤怒与呐喊,到将艾滋病置放在一个更加广阔的历史背景下,将纷繁复杂的社会现实展现在舞台上,以激发观众变革的欲望和勇气,再到后来的表现友爱与活在当下的生活信念,清晰地反映了历史的发展与社会的进步,也再次彰显了艺术的社会批判功能。

摘要：剧场性概念是戏剧学和文艺理论的核心概念之一。对此概念中外戏剧学界有长期的探讨和争论。本文在汪余礼等人研究的基础上简要、全面地梳理西方语境下此概念的流变,尤其是20世纪后半叶。比较评述了较为重要,但在中文学界较少介绍的费哈尔、特隆斯塔德、韦伯等人对剧场性不同方向的定义。同时,也兼顾梳理了中文语境中的一些意义流变。厘清剧场性概念中最核心的问题:即符号学方法和自律美学的辩证统一。其次,本文从由小到大,由“内”到“外”四个方面对剧场性概念中的关键美学问题作出辨析:作为剧场艺术形式本身的性质、被划归为剧场的审美特征、被其他艺术门类“借用”的性质、相关人文学科中使用和借用的剧场性、人生和社会中普遍的性质。最后,用上述梳理和辨析的结果,讨论剧场性-文学性争论背后反映的实践问题,并得出解释性结论:本文认为,用文学性来规定剧场性是不恰当的。

摘要：在萨拉·凯恩的剧作《摧毁》结尾处,主人公伊恩在死后还能继续有知觉,保持存在。这个未死的形象体现了雷蒙·威廉斯所说的悲剧情感结构。通过整个戏剧行动,伊恩经历了从贫者到替罪羊的结局。伊恩既生又死的埃特状态展示了一个新的悲剧情感:伊恩处在生与死之间,神圣与可怕之间,意义和无意义之间,希望和绝望之间,元叙事与所有叙事的终结之间。凯恩将戏剧的物质性与艺术再现相结合,摧毁戏剧叙事结构,使《摧毁》具有西方当代深刻的矛盾辩证的美学意义。

摘要：二战后,西方戏剧普遍处于对人的生存困境和人的本质的思索和叩问之中,阿达莫夫的早期戏剧也不例外。它注重对个体孤独和人生悲观的书写。异化是阿达莫夫“第一戏剧”的重要主题。“第一戏剧”中的代表作品《滑稽模仿》《侵犯》《塔拉纳教授》,不仅在剧本内容上着力表现人的孤立无援、失败结局、身份的缺失、人物和爱情的“缺席”等,而且运用对应的舞台语汇,更加强调了异化的主题。