摘要：舞台灯光自诞生以来,设计师们一直在追求和探讨舞台画面效果。个人认为,灯光是舞台情感与画面的主宰者,千变万化的舞台,都要在灯光的雕琢、塑造下,呈现给观众。

摘要：我国大型演出事业发展迅速且影响面极广,从中央电视台春节晚会和各类娱乐选秀,到县区的各种招商活动和节庆的开幕均以大型演出为主要形式。这些大型演出从表演属性上分析,其主要表演依然以歌舞形式串连为主。笔者没有做过详细统计,但从近几年的发展情况看,我国每年至少有十几部甚至几十部全新创作的大型演出面世,几乎都脱离不了这样的基本模式。由此可见,歌舞表演是构成大型演出的基本和主要内容,更因为大部分这类演出的主创和导演也都是由舞蹈编导组成。所以,歌舞服装设计的突破与创新就显得尤为重要,它也一直是一个困绕着编导与设计师难题。如何在服装设计上找到一种全新的理念与形式?如何摆脱一般歌舞晚会的槽臼与模式,应该引起大型演出策划者和设计师的认真关注。从服装设计师的角度看,除了演出的创意方面要提供全新的理念与形式要求外,在我们自己专业的角度,也应该深入探讨形式与内容的突破与创新。

摘要：当前在应试教育的体制下,舞蹈素质教育严重缺失。本文建议从政府部门、专业院校、社会拓展三个层面推进人的艺术素质提高,同时把握好素质教育与精英教育、多元化与选择性、功利性与艺术修养、兴趣教育与灌输教育、民族性与世界性等几个关系。

摘要：舞剧的特性决定了舞剧灯光的特点,但是,舞剧灯光同样要遵守戏剧对灯光的要求。所以,舞剧灯光设计也要分析剧本、分析环境场地,解决困惑,走出误区。

摘要：意象化的创作方法是中国传统创作方法的一种。但在歌舞表演服装的创作中,意象化的创作手法可以说是表演服装设计创作的基点和根本出发点。掌握好意象化的外在形象的鲜明度是一个歌舞服装设计成功与否的关键。所以,本文从设计的实例详细阐述了意象的设计方法,以期对歌舞表演服装设计的教学有所帮助。

摘要：芭蕾舞是一门"足尖上的艺术",是用肢体语言传达信息的舞台表演艺术。作为一门外来舞蹈艺术的表现形式,在中国的舞蹈界还较为年轻,随着国际舞蹈比赛的举办和国际间学术文化交流的日益频繁,世界芭蕾在艺术领域发挥着越来越重要的作用。芭蕾舞是以典雅脱俗的舞蹈动作、高超独特的难度技巧、袅袅婷婷的身姿及音乐协调的配合,加之足尖鞋的独特风格魅力,吸引了越来越多的人关注与参与。随着各种舞蹈形式的飞速发展,芭蕾艺术也仍然在不断向着高、难、新、巧的方向迈进,随之而来的舞蹈损伤也开始困扰着从事芭蕾专业的舞者,制约着他们训练水平的进一步提高。为此,(国内外)一些专家学者曾做了有关损伤问题的研究,并以此为科学依据,有效地应用到教学训练当中。但由于资料来源的欠缺,很多方面仅能透过其训练方式、训练结果进行观察、判断,从中推测某种训练方式是依据在哪种理论原理而建立的。国内对于损伤问题的研究尚属起步,这是由于我国芭蕾艺术起步相对较晚所致。本文立足于有限的理论依据和必要的经验性判断,对当前芭蕾舞训练中存在的损伤问题及其致因进行深入分析,以求科学地避免损伤发生。

摘要：本文以云南迪庆藏族自治州为例,通过阐述当地传统藏族服饰文化的特点和现代变迁情况,分析其现存状况及问题,并引发相应的思考。

摘要：20世纪初,俄国芭蕾正值浪漫主义时期,在内容和形式上越来越陷入僵化和死板。虽然地位上领先于世界,处于核心地位,但面临内容肤浅、新式空洞的危机,俄罗斯芭蕾迫切需要变革。1909年,由佳吉列夫发起"俄罗斯舞蹈演出季",主张保留传统民族特色,在形式上求新求变,创作了大量实验性舞蹈作品,轰动西欧。1919年成立佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团,舞团优秀的舞蹈家、音乐家、美术家的通力合缔造了俄罗斯芭蕾的黄金时代。本文以佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团的舞作创作为研究对象,以舞团经典代表作《火鸟》、《彼德鲁什卡》等剧目为例,分别对时代背景、艺术形式、创作启示和时代影响三个部分展开具体分析,从这一历史现象探讨20世纪早期俄罗斯芭蕾戏剧美学的革命。

摘要：本文以云南傈僳民间舞蹈"阿尺木刮"、"哇其其"、"迁哦"为例,试图从美学的角度揭示傈僳族舞蹈的独特魅力:"阿尺木刮"模拟山羊的体态跳舞,体现了在传统农耕文化中,傈僳族对自身和社会的观照;"迁哦"在梦想与现实的浪漫中,折射出粗犷的傈僳人民细腻的一面;从"哇其其"遗存的原始痕迹中,我们可以由现实的舞蹈追溯,一窥原始舞蹈的风貌。

摘要：1975至1981年间,当代绘画大师大卫·霍克尼(David Hockney,1937-)为英国格莱德堡歌剧院(Glyndebourne Opera)设计了两部歌剧,一部是《浪子的历程》(Rake’s Progress),另一部是《魔笛》(The Magic Flute)。在这六年间,他也为美国纽约大都会歌剧院(Metropolitan Opera)做了两个的舞蹈和歌剧的演出宣传单设计。这些演出中的布景和道具设计成为英国约克郡索尔泰尔(Saltaire)盐磨房(SaltsMill)中大卫·霍克尼作品展中永久性展示的一部分。作品不仅包括服装设计和演出中的两幕布景设计,也包括他为本展览所做的几个大型的舞台设计模型,以及在1983年美国沃克艺术中心(WalkerArtCenter)和1985年英国伦敦海华美术馆(Hayward Gallery)展出的舞台绘画作品。这篇文章旨在探究一位艺术家艺术作品风格的转换,以及绘画艺术语汇如何转变成演出中的造型设计,并再一次升华为艺术主题。从最初的设计灵感到整个设计作品诞生过程中的每一个细节,这一切都记录在他的本子上并永久性地展示在盐磨房中。